Decidir criar um logo é um dos processos mais importantes de qualquer negócio ou marca pessoal. Afinal, ela será a responsável por apresentar o seu propósito empresarial para o mundo, e por isso, precisa ser ideal às suas necessidades.

Com isso, ele precisa estar muito alinhado com os propósitos, objetivos e totalmente relacionado com à entrega do produto, serviço ou experiência que serão remetidas ao consumidor final.

E se você utilizar alguns processos criativos específicos para criar o logotipo do seu negócio, certamente conseguirá ter uma identidade visual estratégica.

Pensando nisso, separamos 10 dicas para você sobre criação de logos incríveis e profissionais.

1) Criar logo através de um briefing estratégico

O briefing é o primeiro passo para que você consiga criar um logo incrível e que atenda as expectativas do seu cliente.

Neste documento, além de você conseguir ter mais informações sobre quem é a empresa e o que o consumidor espera do resultado, você terá um escopo ideal para iniciar o trabalho da melhor forma.

Um briefing estratégico para a criação de logos pode conter perguntas como:

• Cores estratégicas para o negócio
• Principal objetivo
• Posicionamento de marca
• O que a empresa pretende passar ao mundo com a imagem a ser desenvolvida
• E o que você achar relevante para desenvolver um bom trabalho

2) Busque referências

Uma das melhores maneiras de fazer um logotipo, é ir em busca de referências dentro do mercado de cada cliente, entendendo exatamente o que ele precisa. O briefing, por exemplo, pode te ajudar bastante a ganhar tempo com isso.

Porém, a sua experiência como designer precisa fazer a diferença nesta etapa. Afinal, seu cliente esperará uma representação da marca dele em formato de imagem, e a melhor forma de fazer isso, é mergulhar verdadeiramente em sua essência.

3) Tipografia estratégica

A tipografia é outra etapa que fará com que o seu trabalho ganhe vida e tenha um resultado excelente aos olhos do seu consumidor. Juntamente com as imagens, esse é um ponto crucial para quem vai criar um logo.

Muitas vezes, ele não tem uma referência clara do que precisa, mas você poderá apresentar exemplos para que ele te direcione da melhor maneira possível.

Através de uma letra bem estruturada, é possível passar sensações além da mensagem da empresa, mas emoções e criar uma conexão imediata com o público alvo.

Por isso, pense na escolha da letra do seu logo como algo único e que realmente faça a diferença no seu trabalho.

4) Guarde os rascunhos

Um dos maiores segredos para criar uma logo diferenciada, é acompanhar todo o processo de criação de perto. Desta forma, guardar todos os rascunhos daquele projeto é fundamental para conseguir chegar a um desenho diferenciado.

Muitas vezes, o cliente gosta de uma referência, ou uma simbologia utilizada em uma versão e não consegue passar exatamente o que falta.

Com a evolução do desenho em mãos, é muito mais fácil entender seus objetivos, passar profissionalismo e encontrar a inspiração ideal para seguir o projeto da melhor maneira possível.

5) Analise as tendências de mercado

Entendendo as necessidades do cliente, você poderá criar um logotipo tradicional, ou seguir tendências que estejam em alta naquele momento e que façam sentido para o negócio do seu cliente.

Isso fará com que o seu trabalho se torne atual, ganhe mais valor de mercado e consiga oferecer uma experiência ainda melhor aos olhos do seu cliente.

6) Entenda a psicologia das cores

Escolher as cores certas para chegar em um resultado agradável em seu logotipo fará toda a diferença no seu processo.

Utilizar as palhetas estratégicas, respeitando as regras das cores, é um dos princípios básicos de um bom designer.

Desta maneira, você poderá criar um logo que não seja simplesmente bonito, mas que faça sentido para o consumidor e principalmente, seja objetivo em sua imagem de vendas, transmitindo a imagem subliminar sobre o empreendimento em questão.

7) Utilize espaços negativos ao seu favor

Sabe aquele espaço que insiste em se manter presente durante a criação do logotipo, e parece que não conseguirá sair de maneira nenhuma? Talvez, essa seja a oportunidade perfeita de utilizá-lo ao seu favor.

Além de agregar mais elementos ao seu projeto, os “espaços negativos” podem ser aproveitados para passarem conceitos de autenticidade e criatividade.

Porém, é muito importante que você saiba utilizar essa metodologia de criação de maneira assertiva. Entender as prioridades e os objetivos do seu contratante, por exemplo, podem te dar um bom direcionamento.

8) Tenha autenticidade

O logo é o “cartão postal” de qualquer marca pessoal ou negócio. Desta forma, é obrigatório que você empregue autenticidade e valores implícitos do seu cliente no projeto. Caso esteja criando seu próprio logotipo, esse tópico se torna ainda mais vital.

Como falamos anteriormente, a busca por inspirações é essencial, mas jamais deve limitar seu processo criativo.

Acredite em seu potencial e construa a imagem de acordo com as expectativas do cliente, mas não se esqueça da sua experiência profissional.

Certamente, você conseguirá um resultado ainda melhor utilizando fontes e inspirações diferenciadas em cada um dos seus trabalhos.

9) Tenha uma segunda opinião

Caso não esteja totalmente seguro para criar o logo ideal, busque sempre a opinião de outros profissionais da área e do seu próprio cliente.

Mesmo sem se darem conta, eles conseguem nos direcionar e fazer com que insights surjam quando menos esperamos.

10) Entregue mais do que o esperado

Uma dica que pode fazer a diferença no crescimento da sua carreira como designer, está relacionada a poder oferecer uma experiência diferente e personalizada ao consumidor.

Caso seja possível, estude a possibilidade de entregar mais do que o contratado. Por exemplo, se você entregar duas versões do logotipo, com duas propostas diferentes, logo na primeira reunião, o impacto será positivo ou negativo?

Além de aumentar o valor percebido do seu trabalho, você afirmará para o cliente que ele certamente escolheu a pessoa certa para criar seu logo.

Dica extra: Tenha paciência

Trabalhar com designer de criação de logos exige cautela e paciência. Afinal, entregar o que o cliente espera na primeira apresentação, pode ser considerado praticamente impossível.

Por isso, não desista no primeiro ajuste. Esses pequenos detalhes podem garantir a fidelização do consumidor a longo prazo.

Agora, queremos saber de você. Quais dessas dicas vão ser mais importantes na hora de começar a produzir um logotipo? Faça seu login na plataforma abaixo, e deixe seu comentário!

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O tempo passa, surgem novas tecnologias, mas as necessidades humanas permanecessem praticamente as mesmas.

Afinal, se antes precisávamos exclusivamente de um telefone ou uma carta para nos comunicar à distância com alguém, hoje um e-mail ou uma mensagem de WhatsApp supre essa necessidade.

A designer Luli Kibudi captou muito bem esse conceito ao criar a série “Once Appon a Time“, que mostra aplicativos modernos em uma roupagem retrô.

Confira seu excelente projeto:

WhatsApp

LinkedIn

Gmail

YouTube

Microsoft Word

Wikipedia

iCloud

Pinterest

Facebook

Slack

Spotify

Domestika

Netflix

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Em algum momento da vida você se deparou com uma interface, seja ela um aplicativo, sistema ou site.

Já em outro momento, deve ter ouvido sobre o profissional que desenha essas telas.

Se você tem o perfil mais curioso, talvez já tenha lido sobre este profissional e se interessado pela área.

Mas o que importa aqui é que de alguma forma, já teve contato com o Design de Interface, e sabe que muito tem se falado sobre ser o futuro do design.

Muito se fala sobre as oportunidades de emprego em grandes empresas e o dinheiro que está sendo investido no digital.

Neste artigo eu vou falar um pouco sobre a área, seus principais pontos positivos, e trazer dicas da minha migração do Design Gráfico para o Design de Interface.

A “morte” do Design Gráfico

No mundo digital, tem se falado sobre a morte do Design Gráfico, mas no momento em que escrevo este artigo, não concordo 100%.

Eu concordo que o digital está engolindo o mundo e, principalmente em um momento de crise, tem se mostrado como uma possibilidade para fazer negócios e salvar empresas.

E se fizermos um retrospecto sobre profissões de 20 anos atrás, entende-se um padrão do que a digitalização tem substituído.

Enquanto cursava Publicidade, falávamos sobre mídias tradicionais como revista, outdoor e panfletos.

Hoje parece insano investir prioritariamente em mídias onde se têm um custo altíssimo, pouca previsibilidade e baixa segmentação.

Mas ainda estou aqui para falar que o que acontecerá com o Design Gráfico não será morte, mas uma adaptação.

A mudança

Acredito que a velocidade em que as mídias digitais têm crescido não desacelerará tão cedo. E acima de tudo, não diminuirá a demanda que as marcas têm para se comunicar nesses meios.

Elas querem se comunicar onde está a atenção das pessoas, e a atenção delas (nossa atenção) está no digital.

Você deve ter uma ideia de onde eu quero chegar.

Com a quase hegemonia do universo digital, há alta procura por profissionais que entendam do meio e saibam se comunicar por lá.

E deixa eu te falar uma coisa: a comunicação no digital não é apenas adaptar panfletos e placas, a dinâmica é totalmente diferente.

No digital trabalhamos com princípios diferentes e lidamos com um leitor diferente do impresso.

E os profissionais mais habilitados conhecem esses dois universos, pois como disse, o designer gráfico pode não deixar de existir, mas precisa se adaptar.

Mudança de software

Além de outros princípios, outro perfil de leitor e outro universo, talvez a principal mudança para um designer iniciante seja o software.

No Design Gráfico existe uma tendência em utilizar os software da Adobe para tudo. E realmente, as principais necessidades são supridas pelo Photoshop, Illustrator e Indesign.

Mas hoje, esses softwares não oferecem suporte para as principais demandas do Design de Interface.

E para isso, existem outros softwares que buscam atender essas demandas, incluindo pilares que o digital prega.

Claro que existem designers de interface que usam os softwares que falei acima, mas garanto que com a experiência em softwares qualificados, eles optem por não voltar.

“Éricles, então deixaremos de usar o Photoshop e Illustrator?”

Não, acontece uma migração para softwares especializados para o desenho e documentação da interface.

O Photoshop e Illustrator são extremamente úteis para tarefas complementares ao desenho de interface como edição e tratamento de imagens e manipulação vetorial.

“E quais são os principais softwares que posso usar?”

Segundo o site uxtools, baseado em uma pesquisa de 2019, os principais softwares utilizados para o desenho de interface são:

• Sketch
• Figma
• Adobe XD (olha a Adobe aqui de novo)
• Invision
• Framer
• Axure

Tive experiência com quase todos eles, e recomendo que teste cada um e entenda como esses softwares valorizam seu processo.

Preciso saber código?

Para trabalhar como designer de interface não é necessário saber código, mas ter esse conhecimento adicional vai ser um diferencial nas suas entregas e comunicação.

Explicando melhor sobre isso, quando você tem algum conhecimento, mesmo que mínimo, sobre o trabalho do seu time, fica mais simples de criar um ponto de conexão no diálogo e soluções.

Mas também é possível simplificar as próximas etapas do outro profissional, porque o produto de um design de interface é código.

Principal insight

Além disso, existe uma maneira que a galera do desenvolvimento pensa que deveria ser comutado entre os designers.

Existe uma lógica de essencialismo na mente de cada desenvolvedor, que quando compreendido por um designer, é possível de aplicar diversos princípios do Design.

O princípio número um é: Don’t repeat yourself (DRY), que significa “não se repita”.

A ideia de componentização mora aí.

Por que fazer diversos elementos mega-parecidos quando se pode criar um componente e aplicar o princípio da consistência?

No Design de Interface você vai ter que lidar com diversas telas e diversos elementos que se repetem, ter uma biblioteca com esses componentes facilita o trabalho para os três: o designer, o desenvolvedor e o usuário.

Conclusão

Neste artigo, pincelei sobre o contexto em que o digital se destaca e muda a forma do designer trabalhar e se comunicar.

Se você entendeu que faz sentido, deixe seu comentário abaixo.

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É muito comum vermos grandes obras literárias serem transformadas em filmes, criando uma verdadeira divisão entre aqueles que preferem o livro e aqueles que preferem o filme.

Mas, e se acontecesse justamente o contrário? E se grandes filmes se transformassem em livros?

O designer e ilustrador Matt Stevens teve essa ideia e transformou alguns de seus filmes preferidos em livros antigos, com capas que realmente enchem os olhos.

Confira:

Interestelar (2014)

Mad Max: Estrada da Fúria (2015)

Parasita (2019)

Distrito 9 (2009)

Clube da Luta (1999)

Batman: O Cavaleiro das Trevas (2008)

O Lobo de Wall Street (2013)

Whiplash: Em Busca da Perfeição (2014)

Matrix (1999)

Vingadores: Ultimato (2019)

Missão Impossível (1996)

Bastardos Inglórios (2009)

E aí, curtiu? Acesse seu site e veja mais exemplos do seu criativo projeto!

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Já vínhamos acompanhando nos últimos anos a popularização do home office, mas por conta da pandemia, essa forma de trabalho se expandiu ainda mais rápido e em um curto espaço de tempo. Para alguns, pode ser uma novidade que requer adaptação, mas sabemos que essa prática é utilizada pela maioria dos profissionais de design há tempos. No entanto, o grande desafio da maior parte das pessoas que estão trabalhando remotamente é não se deixar levar pelo conforto e distrações da sua casa para conseguir entregar os jobs com qualidade e dentro dos prazos. E foi pensando nisso que trazemos para você, em parceria com o Habitíssimo, algumas dicas que podem te ajudar a ser mais produtivo no home office.

Defina o seu espaço de trabalho

Escolher um local adequado é o primeiro passo para favorecer a produtividade. Prefira um ambiente fixo, para que a sua mente entenda que é hora de trabalhar sempre que você estiver ali. É importante que seja o mais tranquilo possível, com uma boa iluminação e ventilação, além de dispor de um móvel adequado para o apoio de materiais e tomadas acessíveis para conectar os eletrônicos necessários. E não se esqueça de que uma cadeira confortável na medida certa é essencial, pois é difícil trabalhar bem com dores no corpo por conta de um assento ruim.

Crie uma rotina e tenha disciplina

Mesmo que o seu trabalho seja flexível ou que você seja freelancer com horários alternativos, vale a pena estabelecer horários para iniciar e encerrar o expediente, além do tempo de almoço e pequenas pausas para recarregar as ideias. Essa rotina será ainda mais importante caso morem mais pessoas com você, pois ficará mais claro para elas que você sabe separar os momentos e isso ajuda a evitar conversas que podem tirar o seu foco do trabalho. Vale também anotar em uma agenda ou aplicativos tudo o que precisa ser feito no dia, assim você organiza as prioridades e se dedica para o cumprimento delas.

Organize o espaço e o tempo

Deixe em seu local de trabalho apenas as coisas necessárias, evitando objetos aleatórios que podem te atrapalhar na hora em que precisar localizar algo na mesa. Mantenha tudo no lugar, afinal um espaço organizado é agradável aos olhos e transmite paz, o que ajuda muito a mente a se concentrar. O tempo também precisa ser organizado, mesmo que não possamos enxergá-lo. E como fazer isso? Identifique os momentos do dia em que você rende mais e concentre nesses períodos os jobs que mais exigem sua disposição.

Teste o método pomodoro

E já que falamos em pequenas pausas, que tal testar essa técnica? A ideia é trabalhar por 25 minutos e parar para descansar por 5 minutos. Essa sequência deve ser repetida por quatro vezes e, então, o descanso é de 30 minutos, depois recomeça. O objetivo do método, desenvolvido nos anos 80 por Francesco Cirillo, é melhorar a produtividade, pois as pausas ajudam a mente a retomar o trabalho com mais  eficiência, além de ajudar a evitar a procrastinação.

Capriche no mural de inspirações

Inspiração visual é tudo para um designer. Por isso, crie um moodboard para te guiar naquele projeto tão importante ou use seus próprios interesses de design, música, livros, fotos e demais elementos artísticos para decorar a parede do seu home office, isso pode te ajudar muito a ter melhores ideias no dia a dia.

Cuide do seu bem-estar

Nosso organismo tem necessidades e limites, então, não se esqueça de tomar muita água, se alimentar bem e fazer alongamentos e exercícios de ginástica laboral – faça isso antes de iniciar o trabalho no dia ou durante as pausas. Pode ser também que haja uma cobrança maior no home office ou que esteja complicado para a sua realidade conciliar trabalho, família, afazeres domésticos e demais responsabilidades estando em casa, gerando estresse e cansaço além do normal. Se este for o seu caso, respire, busque manter o equilíbrio e, se necessário, converse com as pessoas envolvidas no seu home office para buscar as melhores formas de trabalhar com mais leveza.

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Se na primeira edição o tema sugerido foi COMPARTILHAR, e na segunda, CIRCULAR, o 3º Prêmio de Design Instituto Tomie Ohtake Leroy Merlin propõe como mote REVER, um convite a buscar outros olhares para o que já está posto, tratando das mais variadas questões, como a gestão dos recursos naturais, as formas de deslocamento de pessoas, mercadorias e informação, a aplicação massiva de tecnologias de home office e educação à distância, além da interação humana com os objetos e, principalmente, com as outras pessoas.

Diante do surgimento da pandemia do novo coronavírus, com uma realidade ainda em suspenso, grandes desafios se impõem a todas as áreas do conhecimento, demandando uma profunda revisão da sociedade nas suas mais variadas esferas, desde a mais pública até a mais privada, o que torna ainda mais abrangente e complexo o tema da edição deste ano, REVER. Esta conjectura insólita exige que o designer sublinhe a sua capacidade criativa e, por meio da sensibilidade de captar mudanças, conceba estratégias para novos modos de vida.

Com perfil distinto das usuais premiações de design, o Prêmio de Design Instituto Tomie Ohtake Leroy Merlin tem uma proposta inovadora: abdicando de categorias, propõe a cada edição um tema-desafio a estudantes universitários. A partir desse tema, projetos podem ser inscritos por universitários e recém-formados de qualquer área, não se restringindo somente a jovens designers. A ideia é premiar propostas que destaquem e concebam a relação do design com outras áreas, como arquitetura, biologia, engenharia, moda, tecnologia e ciências sociais.

Com esses pressupostos, o prêmio procura ressaltar que atualmente as propostas mais contundentes de design acontecem em diálogo com diferentes especialidades, instigando soluções inovadoras que possam responder a questões contemporâneas que discutam nosso cenário social, político, urbano, habitacional, além de novas demandas tecnológicas, novos equipamentos, publicações e mídias digitais. Compõem o júri da presente edição: Bebel Abreu, Diego Mauro, Gil Tokio, Giorgio Giorgi Junior e Priscila Lena Farias.

Sobre inscrições e seleção de projetos

As inscrições podem ser feitas de 22 de abril a 28 de agosto de 2020, exclusivamente pelo site http://premiodesign.institutotomieohtake.org.br/. Os projetos selecionados, que receberão R$ 5.000,00 para execução do protótipo, ganham exposição no Instituto Tomie Ohtake. Na data da abertura, serão anunciados os três projetos premiados com bolsas de estudo em cursos de design no exterior.

Podem se inscrever ao 3º Prêmio de Design Instituto Tomie Ohtake Leroy Merlin estudantes universitários regularmente matriculados em cursos técnicos ou de nível superior; graduados há no máximo dois anos a contar do ano corrente; e coletivos em que todos os membros respondam às condições elencadas acima. Só serão aceitos os cursos reconhecidos ou autorizados pelo MEC. Estrangeiros também podem participar desde que residam no país há pelo menos dois anos.

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Em busca de uma maior representatividade, a empresa Crayola criou a coleção Colors of the World, que contém 24 lápis de cera especialmente formulados para representar os mais variados tons de pele.

Segundo a empresa, o objetivo do produto é cultivar um mundo mais inclusivo para crianças de todas as idades, raças, culturas e etnias.

Para chegar ao resultado do produto, as equipes de pesquisa e desenvolvimento e marketing da Crayola trabalharam em parceria com o ex-chefe químico e diretor administrativo de pesquisa e desenvolvimento da MAC e atual co-fundador e CEO da MOB Beauty, Victor Casale,

Por mais de oito meses os profissionais se empenharam em pesquisas científicas para desenvolver cores que representassem todas as etnias, criando as 24 cores dessa coleção que procura refletir todo o espectro da pele humana.

As embalagens apresentam painéis laterais que servem como referências das cores, tudo para ajudar as crianças a encontrar facilmente o tom que elas desejam para seus desenhos.

A empresa também divulgou uma linha com 32 cores, que inclui oito cores tradicionais de olhos e cabelos além dos 24 tons de pele.

Para mais informações confira o site da empresa e o vídeo de divulgação abaixo (em inglês):

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Seguindo as dicas de leitura que compartilhamos no artigo 10 livros para quem quer aprender mais sobre Design Gráfico, separamos mais alguns bons exemplos para aprender mais dessa área tão ampla.

E assim como nas indicações anteriores, como nos livros para quem quer aprender ilustração, pedimos ajuda para especialistas da área, para que a lista seja realmente uma seleção especial e que você tire o máximo desses estudos, principalmente nessa época em que estamos.

As dicas a seguir foram recomendações da Márcia Okida, designer desde 1986, especialista em cores e professora universitária. É professora e coordenadora do curso de Graduação em Multimídia (foi minha professora). Além de palestrante em diversos temas, como cores, design, tipografia, sinestesia do design, direção de arte no cinema, entre outros.

Siga o trabalho dela em seu Instagram e veja aqui alguns dos livros de tipografia que ela recomenda para quem quer seguir na área e/ou é apaixonado por tipos:

Elementos do Estilo Tipográfico – Robert Bringhurst

O livro foi escrito pelo tipógrafo, ensaísta e poeta norte-americano Robert Bringhurst, que  reúne e discute em profundidade a história da tipografia ocidental em uma linguagem acessível.

Com o tempo o livro se tornou referência absoluta para quem deseja conhecer ou se aprofundar no uso e desenho de tipos. Abrangendo mais de 500 famílias tipográficas, seus designers e os detalhes de seus trabalhos, o livro entrega ao leitor um panorama completo de usos e práticas, ao mesmo tempo em que possibilita uma reflexão aprofundada sobre o tema.

Com certeza o livro Elementos do Estilo Tipográfico de Robert Bringhurst é uma das obras mais fundamentais sobre o tema já publicada.

Clique aqui ou na imagem acima para conferir o livro

A Linguagem da Tipografia (Pierre Duplan)

O livro do autor francês Pierre Duplan conta com 189 ilustrações e vai além dos fundamentos técnicos para a composição de uma boa tipografia: aborda também a importância da sensibilidade e consciência de linguagem.

Na obra A Linguagem da Tipografia o autor não fornece regras, embora tenha grande respeito pelas convenções tipográficas tradicionais, mas sugere que tenhamos um olhar sensível sobre a superfície do texto e seus elementos, como sua composição e ocupação do plano gráfico, texturas, cores etc.

Clique aqui ou na imagem acima para conferir o livro

A Linguagem Invisível da Tipografia – Escolher, Combinar e Expressar com Tipos (Erik Spiekermann)

Após décadas de experiência na área tipográfica o autor Erik Spiekermann escreveu a obra A Linguagem Invisível da Tipografia, que tem inspirado muitos designers ao escolher os tipos.

O estilo leve e fácil de ler que o livro traz ajuda a entender como os tipos aprimoram o design e reforçam sua mensagem. O livro foi atualizado em uma nova versão que traz uma discussão de como escolher tipos que atuem melhor na Web, emails, telas e monitores de todos os tamanhos.

Clique aqui ou na imagem acima para conferir o livro

Tipografia – Uma Apresentação (Lucy Niemeyer)

Nesta obra, Lucy Niemeyer apresenta detalhes sobre os tipos e as famílias tipográficas, um histórico da tipografia e os tipógrafos mais importantes, noções tecnológicas sobre fontes e considerações sobre seleção e aplicação de tipos nos projetos de design gráfico.

O livro Tipografia – Uma apresentação apresenta a classificação Vox/ATypI e traz ainda um detalhado capítulo para facilitar o leitor a diferenciar as famílias.

Traz em seus anexos ferramentas úteis para o dia-a-dia do designer – equivalência entre nomes das famílias clássicas, abreviaturas relativas às variações estruturais e os prefixos e sufixos adotados pelas distribuidoras para sua identificação.

Com novo projeto gráfico, esta nova versão traz ilustrações maiores e mais arejadas e continua sendo acompanhada por índice remissivo, facilitando a consulta.

Clique aqui ou na imagem para conferir o livro

Até a próxima!

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Recentemente a Adobe divulgou a atualização em sua identidade de marca, que engloba todos os seus produtos e suas respectivas marcas.

Segundo o comunicado oficial da empresa, essas alterações foram feitas para garantir que o portfólio continue fácil para os clientes navegarem e entenderem, além de manter uma nova aparência.

Confira as principais alterações:

O logotipo

O logotipo da Adobe acompanha a marca desde 1993. Para essa atualização de identidade de marca foram feitas mudanças sutis, transformando-o em um logo com uma única cor, todo vermelho, que agora adota um novo tom, mais contemporâneo.

Adobe Creative Cloud

O novo logo da Creative Cloud traz as cores das marcas dos produtos da Adobe junto com o novo vermelho corporativo, formando um gradiente que, segundo a marca, representa a importância da criatividade. O tamanho do logo também foi aumentado para melhorar a legibilidade e a escalabilidade.

O logo dos produtos da Adobe também passaram por uma reestilização, onde cores específicas serão usadas para organizar os aplicativos em categorias como Video & Motion ou Fotografia, por exemplo. As cores dos logos também foram otimizadas para a acessibilidade.

Agora todos os produtos da família Adobe terão cantos arredondadas, com um fundo em uma só cor, abandonando o uso da borda em cor diferente, presente nos logos anteriores.

Adobe Document Cloud

O logo em formato de trevo é um elemento chave nos produtos da Adobe Document Cloud. No futuro, a marca utilizará o novo formato de maneira consistente nos logos da família de produtos, e a cor de fundo vai distinguir os produtos entre si. Por exemplo, o Adobe Acrobat Reader terá um trevo branco em um fundo vermelho, enquanto o Adobe Scan terá um trevo branco em um fundo azul.

O logo também foi aumentado e, assim como os outros logos, ganhou bordas arredondadas.

Adobe Experience Cloud

A nova versão do Adobe Experience Cloud, serviço voltado para soluções do setor de marketing, análise, publicidade e comércio, utiliza a forma inversa do logo corporativo da marca, com o novo fundo vermelho.

O que achou da atualização de identidade de marca da Adobe? Deixe seu comentário abaixo!.

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Neste artigo eu quero conversar com você sobre uma disciplina extremamente importante e, até diria, fundamental para qualquer profissional de comunicação.

Eu considero o assunto bem complexo, mas busquei trazer vários exemplos práticos e uma linguagem mais simplificada.

O que é semiótica

Semiótica é a filosofia científica da linguagem, também conhecida como Teoria Geral dos Signos.

Mas calma lá, esses signos não são do zodíaco, pois, segundo Décio Pignatari, o signo (na Semiótica) é “uma coisa que representa outra”.

Parece meio confuso, não? Mas acredito que nas próximas linhas tudo ficará mais simples.

Elaborada por Charles Sanders Pierce há mais ou menos um século, a semiótica tem muita força nas disciplinas de comunicação, como Publicidade, Jornalismo, Cinema e Design.

E para um comunicador, é essencial ter consciência sobre o processo de criação de sentido, pois amplifica e seleciona as possibilidades de passar uma mensagem claramente.

“Uma coisa que representa outra”

Nós humanos estamos sempre criando relações entre as coisas ao nosso redor, essa é a nossa forma de registrar a existência dessas coisas na memória.

Por exemplo, “cachorro” recebe um nome e uma imagem em sua memória (caso já tenha visto um) que referenciam à coisa real.

Mas além da palavra e imagem, existem outras formas que o cérebro compreende a coisa “cachorro”.

Mediando o significado

Existem três formas nas quais um signo media um significado:

• Ícone
• Índice
• Símbolo

Vamos ver um pouco sobre cada um deles na sequência.

Ícone

Possui relação de semelhança com o objeto ou coisa. Um ícone se vale de cor, forma e outros elementos gráficos para criar uma conexão evidente entre imagem e ideia.

Índice

Indica a existência de algo, sem precisar de uma representação similar à coisa.

Utilizando a mesma ideia do cachorro, um índice para este objeto pode ser uma marca de pegada, um latido ou uma coleira, por exemplo.

Símbolo

Essa forma que um signo media significado é abstrata, pois símbolos são produzidos através de convenções.

O exemplo mais simples de símbolo é o próprio alfabeto, que por convenção, representa os sons da língua.

Um porém

Como a linha para caracterização de um símbolo é muito tênue, entende-se que existem representações que permeiam ícones e símbolos, como por exemplo os desenhos das placas que distinguem o banheiro masculino do feminino.

Outro exemplo que deixa mais simples é o ícone “salvar”, que possui similaridade com um disquete (que fazia sentido com o método de salvamento na época), mas o seu uso permaneceu mesmo após o disquete ter se tornado ultrapassado, tornando-se um símbolo.

Importância da semiótica no Design

Imagine um jogo de mímica, que para comunicar com sua dupla, você precisa utilizar de diversos signos para recobrar à memória um objeto específico.

Qualquer tática que não tenha som é válida, então, você faz representações que permeia o universo da palavra sorteada.

Isso te lembra alguma coisa? Talvez eu tenha abstraído demais, mas a lógica se assemelha à criação de símbolos para marcas.

Você precisa projetar algo que funcione na mente do público, e que recobre um universo específico. Muito bacana, não?

Essa é a importância do estudo da semiótica. Se faz sentido para você, entre de cabeça nesse estudo, porque apesar de complexo, é muito enriquecedor para várias áreas da vida.

No final deste artigo, deixarei alguns livros que vão te ajudar a absorver melhor o assunto.

Semiose: além do signo

Existe um processo dentro da Semiótica que muitos criativos aplicam mas talvez não conheçam pelo nome.

A semiose é uma ação do signo, uma conexão formal entre processos semióticos que produzem significados e novos signos.

Também é conhecido como processo de revelação, pois na semiose, geramos novos signos que possuem uma relação recíproca com o interpretante, que neste caso, é o produto do universo do intérprete acerca do signo.

“Éricles, mas como isso se encaixa ao meu trabalho de Design de marcas?”

Cada vez que você determina um conceito no qual o símbolo será criado, aquele conceito dá origem a conceitos complementares, que precisam compartilhar uma relação com o conceito base.

Em outras palavras, ideias que geram outras ideias utilizando a Semiótica para formalizar os “movimentos” de produção de sentido.

Como utilizar

Em seus mapas mentais, você pode tornar o exercício mais lúdico com representações gráfica das suas ideias e conexões.

E para essas representações, utilize as três mediações de significado que falei antes: ícone, índice e símbolo.

Utilizar essa técnica te ajudará com insights coerentes à ideia principal, facilitando seu processo criativo e diminuindo a ansiedade que um projeto de Design naturalmente gera.

Conclusão

Espero que tenha curtido essa tema, e se ficou alguma dúvida deixe na área dos comentários logo abaixo. 

E como prometido, vou deixar as principais leituras para você que tem interesse em se aprofundar no tema:

• O que é semiótica (Lúcia Santaella)
• Semiótica aplicada (Lúcia Santaella)
• Semiótica e literatura (Décio Pignatari)
• 1, 2, 3 da semiótica (Júlio Pinto)
• Elementos da semiótica aplicados ao Design (Lucy Niemeyer)

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Semiótica no Design: um guia rápido publicado primeiro em: https://www.designerd.com.br/